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Tragédie

Bain de sang et de boue à la Comédie-Française

Imaginez la famille comme un champ de bataille tellurique et sanguinaire. Revenant aux sources du théâtre antique, la mise en scène organique d’Ivo van Hove assume l’hybris originelle d’Électre et d’Oreste. De ce deux tragédies d’Euripide le directeur du Toneelgroep en souligne la violence, la sauvagerie, la primitivité. Aguerris, les comédiens du Français s’enlisent dans les marécages de la vengeance avec délectation. Le noir et le rouge ont envahi la salle Richelieu : préparez-vous au carnage !

On le sait bien, la mythologie concentre tous les tabous possibles et imaginables. En exil, Électre retrouve son frère Oreste. Ils décident de réhabiliter leur père, Agamemnon, assassiné par leur mère Clytemnestre et son amant Égisthe, en se débarassant des coupables. Ils souhaitent aussi récupérer le trône qui leur appartient et dont ils ont été injustement chassés. La boucle infernale de la violence ne semble pas connaître d’échappatoire et c’est bien en cela que nous sommes en face d’une tragédie.

Pour représenter la pourriture qui corrompt les âmes, van Hove a conçu une scénographie autour de la boue. Liquide et solide à la fois, l’élément salit les corps comme il les exalte ; il vivifie et souille. Devant composer avec cette fange, les comédiens livrent une perfomance physiquement très engagée. Ils se transforment alors en effrayants sauvageons assoiffés de sang. Saluons Suliane Brahim, revêche à souhait dont la coupe à la garçonne accentue sa sauvagerie ; Christophe Montenez continue d’explorer le territoire de la folie en Oreste exalté et fragile ; Elsa Lepoivre est une grande tragédienne, idéale en Clytemnestre.

Les percussions scandent les transes de la troupe qui se plonge dans une chorégraphie inquiétante, comme si la communion avec les dieux passait aussi par une forme de violence. L’accompagnement musical devient donc un acteur à part, essentiel à l’élaboration du rituel solennel qui se met en place.

Si quelques tunnels ponctuent l’ensemble, force est de constater la puissance d’évocation du théâtre de van Hove qui sait créer des images frappantes à l’image du brasier final qui provoque la suffocation du public, tenu en haleine. ♥ ♥ ♥ ♥

© Jan Versweyveld

ÉLECTRE/ORESTE d’Euripide. M.E.S d’Ivo van Hove. Comédie-Française. 01 44 58 15 15. 2h.

Simon Stone : femmes, je vous aime

Quand Les Feux de l’amour rencontre les drames élisabéthains, cela donne La Trilogie de la vengeance. En s’inspirant très librement de Shakespeare et de ses contemporains, Simon Stone se lance dans un soap implacable et diaboliquement bien ficelé. Conçue comme un feuilleton haletant, cette plongée au coeur du mal est un tour de force  technique.

En tordant la logique spatio-temporelle, la nouvelle coqueluche de la scène invite le public à suivre trois parcours comme autant de scénarios possibles qui finiront par retracer le parcours d’un violeur incestueux. Si l’on sort de l’Odéon secoué par cette expérience théâtrale d’un nouveau genre, on aurait souhaité plus d’hémoglobine. Le metteur en scène ne semble pas franchement assumer le trash et le gore qui irrigue les références élisabéthaines.

Le côté feuilleton a tendance à lisser la violence de l’ensemble, comme si Simon Stone avait peur d’embrasser son sujet à bras le corps. On se dit alors qu’il aurait pu faire fi de ses illustres prédecesseurs car on a un peu l’impression d’avoir été trompé sur la marchandise à la fin du spectacle. D’autant plus que d’un point de vue purement langagier, sa réécriture ne casse pas trois pattes à un canard et l’on est loin de la fougue poétique de William. Il aurait peut-être fallu trouver un entre-deux. Reste que la pauvreté relative et triviale des dialogues contribue à l’efficacité du dispositif : comme s’il regardait une série Netflix, le public veut connaître les tenants et les aboutissants de ce drame.

Un bureau, un restaurant chinois, une chambre d’hôtel. Ou bien une chambre d’hôtel, un bureau, un restaurant chinois. Etc. En fonction de la lettre attribuée (A,B,C), le public ne va être confronté ni au même décor ni à la même temporalité. Un espace bi-frontal, frontal ou angulaire vous attend. L’action peut se passer aussi bien de nos jours que dans les années 1980. Vous l’aurez compris, la narration de La Trilogie de la vengeance est sens dessus dessous. Vaste puzzle à reconstituer a posteriori, le spectacle se savoure comme une enquête dont on serait les inspecteurs. Invités à retracer le parcours d’un serial violeur, nous pénétrons dans le microcosme de Jean-Baptiste, un raté alcoolique, qui n’aura de cesse d’offenser les femmes suite à un déchirement amoureux pour le moins transgressif. Qu’il s’agisse d’une scène professionnelle, intime ou publique, le mal du mâle rôde partout et mérite d’être puni.

Seul acteur au milieu d’un essaim de comédiennes, Éric Caravaca a du mal à imposer son personnage ingrat face à l’éclat de ses camarades. Véritables caméléons, Valéria Bruni-Tedeschi, Nathalie Richard, Alison Valence, Pauline Lorillard, Servane Ducorps, Adèle Exarchopoulos, Eye Haïdara sont à la fois filles, mères, employées, prostituées, maquerelles, épouses. Des femmes brisées et bien décidées à en découdre. Habilement dirigées, elles sont toutes formidables. Dans une forme d’urgence captivante, elles transmettent leur douleur, leur frustration et leur rage et créent une sororité digne d’être entendue. Toutes relèvent le défi fou de jouer trois fois la même pièce d’où une terrible course contre la montre qui oblige à une synchronisation extrême. Chapeau !

Cette mise en scène fera sans doute date dans l’histoire du théâtre. Bien que la virtuosité de cette impressionante machine technique puisse paraître de la poudre de perlimpinpin, il n’en demeure pas moins que l’on reste complètement captivé devant ce drame misogyne à la sauce soap. Accessible, malgré une distorsion spatio-temporelle presque machiavélique, cette Trilogie de la vengeance souligne la vitalité et le naturel de sept comédiennes au sommet de leur forme. ♥ ♥ ♥ ♥

LA TRILOGIE DE LA VENGEANCE. D’après William Shakespeare, Thomas Middleton, Tom Ford et Lope de la Vega. M.E.S de Simon Stone. Théâtre de l’Odéon. 3h45 (avec deux entractes). 01 44 85 40 40.

© Elizabeth Carecchio

Jennifer Decker, une Phèdre d’envergure

Sept ans. L’âge de raison. Le temps qu’il aura fallu à Jennifer Decker pour trouver sans doute son plus beau rôle au Français. La trentenaire a pourtant tenu le haut de l’affiche, dans des rôles de conséquence (Doña Sol, Aricie ou Ophélie) mais la magie n’avait jusque-là pas vraiment opéré. La faute à des mises en scène douteuses. Et puis petit à petit, la comédienne a su gagner en force et s’imposer avec plus de conviction. Marivaux, Lagarce ou Musset : rien ni personne ne semble lui résister désormais. Au Studio-Théâtre, la jeune Louise Vignaud lui a confié le rôle éponyme de Phèdre. Un personnage qui impressionne, d’autant plus dans la version de Sénèque, d’une violence épurée et presque bestiale.

Hippolyte/Phèdre : un couple d’anthologie qui fait s’affronter la pieuse vertu froide et le désir brûlant et l’interdit. La chaleur et la glace d’un amour non réciproque qui finira par littérallement brûler le duo. Sénèque ne perd pas de temps et présente successivement les deux protagonistes : d’un côté, le viril et intrépide Hippolyte, chasseur émérite au coeur chaste et de l’autre côté sa belle-mère Phèdre, accablée par une envie contre-nature. Cela finira mal, on le sait.

Le texte antique possède l’avantage de resserrer l’intrigue de manière drastique, contraiment à Racine qui s’épanche plus longuement et introduit des personnages secondaires comme Aricie. On ne perd donc pas de temps et le travail de Louise Vignaud se fonde sur un principe d’énergie et de mouvement qui revitalise la tragédie.

Nâzim Boudjnah ouvre notamment le bal en Hippolyte guerrier, dévoué à son exercice physique, la lance à la main. Incapable de tenir en place, il exhibe fièrement son torse nu et glabre d’éphèbe. Ce dynamisme s’oppose à l’entrée en scène de Phèdre, abattue et alanguie. Cette passion qui détruit de l’intérieur est balancée au public avec une retenue lancinante et douloureuse. Pas de hurlement non. Presque un murmure qui livre son désarroi. Dans son fourreau doré ultra chic, Jennifer Decker donne d’emblée le ton et se révèle majestueuse par son accessibilité même. Aucune arrogance, aucune fierté, juste une impuissance à résister au feu qui ravage tout sur son passage. Très peu maquillée, au naturel, la comédienne se livre et se confie. Et on y croit.

L’évolution des sentiments de Phèdre se veut fluide et on parvient aisément à se faire une idée du labyrinthe amoureux dans lequel semble se complaire la reine. Phèdre abandonne ensuite sa féminité et rêvet le costume d’une amazone androygyne, sans sexe défini. La métaphore du combat est donc explicite ici, plus de lamentations et place à l’action ! La scène centrale de l’aveu, qui a du mal à se frayer un passage, est superbement portée sur le plateau. Il s’agit ni plus ni moins d’un viol sacralisé, d’une lutte sauvage et érotique dans laquelle Hippolyte semble confus et Phèdre triomphante. Le glaive, support phallique au possible, accompagne cet accouplement étrange. L’aspect chorégraphique de la pièce, très clairement mis en avant, vivifie le discours et souligne la place du corps, absolument centrale ici. La confession ultime de Phèdre à Thésée résonne comme un cri de victoire lugubre : elle a triomphé de la crédulité de son époux mais à quel prix… !

Claude Mathieu incarne, quant à elle, une nourrice d’exception, cruelle et dure au départ puis pleine de compassion par la suite. Sa diction limpide offre une écoute religieuse du texte : le récit culte de la mort d’Hippolyte vaut son pesant d’or. En revanche, Thierry Hancisse en fait beaucoup trop dans le rôle de Thésée, il n’est pas très crédible.

Par une économie de moyens qui met en lumière l’apport du corps au jeu, Louise Vignaud signe donc une lecture revigorante de la Phèdre de Sénèque et révèle Jennifer Decker, formidable d’intensité dans un rôle difficile. ♥ ♥ ♥ ♥

PHÈDRE de Sénèque. M.E.S de Louise Vignaud. 01 44 58 15 15. Comédie-Française. 1h20.

© Christophe Raynaud de Lage

Le sérail ronronnant d’Éric Ruf

Au théâtre, l’imprévu s’invite souvent à la fête. Avec plus ou moins de bonheur. Éric Ruf en a fait les frais. Le patron du Français s’est lancé dans une aventure impossible en montant Bajazet. Il remplace en effet au pied levé Jacques Lassalle, qui devait initialement mettre en scène La Cruche cassée de Kleist. L’urgence peut parfois produire des miracles. Cependant, les conditions précipitées de création mènent la représentation vers une impasse. La musicalité des vers raciniens parvient mal jusqu’aux oreilles : la mollesse de l’ensemble, d’une part, entraîne une forme de lassitude et d’autre part, le flot de paroles parfois mal maîtrisé oblige à courir derrière les comédiens pour pouvoir espérer comprendre un minimum l’intrigue passablement compliquée. Ce double problème de tempo crée un effet de sourdine : on sort du Vieux-Colombier passablement exténué et frustré. Gageons qu’avec le temps, le spectacle gagnera en puissance, en émotions et en énergie.

Des rangées de chaussures encombrent  le plancher selon une exactitude géométrique qui confine à la maniaquerie. L’image est saisissante et rend palpable la matérialité ordonnée et féminine omniprésente dans cette tragédie du sérail. On pense évidemment à la mise en scène récente des Fausses Confidentes par Luc Bondy (mais là, on avait plutôt affaire à des Louboutin…). De belles armoires, imposantes et austères, encadrent le plateau, tels des gardiens impassibles renfermant d’innombrables secrets. Le huis-clos, habilement scénographié, sera donc l’espace de confidences à vif, d’aveux brûlants et de dénouement macabre.

Seulement, la scène d’exposition interminable plombe immédiatement l’ambiance et annonce un rythme mortifère. Volontiers bavarde, Bajazet ne lésine pas sur les explications. On apprend ainsi que Bajazet et Atalide s’aiment en secret depuis l’enfance. Roxane, la sultane, tombe amoureuse de Bajazet sans connaître cette liaison tandis que le grand Vizir Acomat, chargé de placer sur le trône le héros éponyme, désire Atalide. De ce chassé-croisé amoureux, le sang jaillira, bien sûr.

Flottement généralisé
Comme toujours chez Racine, passion et raison d’État s’affrontent pour déboucher sur un jeu de massacre. Ruf a visiblement éprouvé des difficultés à restituer ces déchirements intérieurs car sa mise en scène se montre trop léthargique et la direction d’acteurs semble dangereusement flottante. Laurent Natrella est égaré dans le rôle-titre, très effacé, presque transparent. Encore verte dans son interprétation, la très jeune Rebecca Marder ne sait pas sur quel pied danser : parfois hystérique et donc fausse ; parfois lumineuse et éclatante de douleur. Denis Podalydès apparaît plus sur de lui en ambitieux tactitien. Saluons surtout Clotilde de Bayser, impeccable en Roxane (malgré plusieurs bafouillements). D’une dignité hiératique, elle impose une prestance indéniable à son personnage d’amoureuse éconduite et rend son rôle de furie vengeresse presque sympathique. On la comprend cette Roxane qui a un poids lourd à supporter sur ses épaules.

Ruf restitue plutôt finement l’atmosphère oppressante du sérail : l’homogénéité initiale des costumes délicats de Renato Bianchi présente les femmes comme une sororité virginale (des ancêtres de la famille de La Maison de Bernarda Alba peut-être). Les tensions apparaissent ensuite par des couleurs plus écarlates et des tenues plus raffinées puisque les manœuvres de séduction se révèlent plus soutenues. On admirera également le magnifique travail de clair-obscur opéré par Franck Thévenon transformant la scène en crépuscule inquiétant, digne de Barbe-Bleue.

Éric Ruf a donc joué de malchance ou/et d’un manque de stratégie car monter avec soin du Racine en si peu de temps est une entreprise périlleuse. On sent la plupart des comédiens pas encore suffisamment rodés pour être à la hauteur de leur rôle. Avouons aussi que si le contexte historico-social de la pièce se veut passionnant, sa transposition textuelle pêche par une amplitude d’informations barbante. Si les sérails vous passionnent, nous vous conseillons vivement la lecture des Lettres persanes de Montesquieu (d’ailleurs, tiens tiens, l’héroïne féminine se prénomme… Roxane). En somme, l’ennui pointe assez rapidement le bout de son nez car la mise en scène ronronne trop pour le moment. ♥

BAJAZET de Jean Racine. M.E.S d’Éric Ruf. Comédie-Française. 01 44 58 15 15. 2h.

© Vincent Pontet

Dans la jungle de la psychanalyse

Les beaux jours recommencent à poindre le bout de leur nez sur la capitale. Un climat en parfaite adéquation avec la serre tropicale imaginée par Stéphane Braunschweig. Le nouveau directeur de l’Odéon inaugure sa première création avec Soudain l’été dernier de l’injustement boudé Tennessee Williams. En refusant de céder aux sirènes tentant d’un psychologisme terrien, le metteur en scène réussit cependant par un coup de baguette magique à offrir une solide densité à ses comédiens, teintée d’un onirisme moite. Luce Mouchel et Marie Rémond trônent au milieu des lianes telles des Amazones meurtries et vindicatives.

Si vous êtes amateur d’intrigue au théâtre, fuyez votre chemin. Soudain l’été dernier, comme la plupart des pièces de Williams, joue sur les réminiscences et les absences. En l’occurrence, celle de Sébastien Venable, un poète incompris brutalement assasssiné dans une station balnéaire populaire d’Espagne. Violette, sa mère surprotectrice, tient à conserver intacte la mémoire de son fils chéri. Pour cela, elle souhaite entendre de vive voix le témoignage de sa nièce Catherine, présente au moment du drame. Violette souhaite clouer le bec aux affabulations éhontées et scandaleuses de Catherine. Qui détient la vérité ? Le Docteur Sugar devra trancher.

Songe touffu
On nage ici constamment en eaux troubles. Comment démêler le vrai du faux ? Qui est la plus folle entre l’énigmatique Catherine et la castratrice Violette ? Braunschweig ne tranche jamais et grand bien lui en a pris. De fait, la complexité de la pièce éclate dans toute sa majesté : au public de se forger son opinion. Par ailleurs, le choix de conserver le mystère évanescent du souvenir de Sébastien en occultant tout recours à la vidéo s’avère judicieux. Nul besoin ici, la force d’évocation s’empare du plateau par la puissance de jeu des comédiens qui lui insuffle une consistance palpable.

Luce Mouchel est impériale en virago diminuée et obstinée. Son air narquois et enflammé de diva étouffante mérite le déplacement. Elle gouverne son petit monde à la baguette tout en découvrant les béances d’un deuil inconsolable. Face à elle, Marie Rémond papillonne sur scène dans sa robe fleurie : dans l’ailleurs et le maintenant, elle fait preuve d’une impétueuse dépossession. Femme-enfant qui se brûle les ailes à force de défendre mordicus sa vérité, elle a tout d’une héroïne tragique dont le destin atteint son acmé au moment où elle se lance dans le terrible récit de la mise à mort de Sébastien. Lors de ce pur moment de bravoure, les spectateurs retiennent leur souffle.

Ces formidables comédiens bénéficient de l’écrin vert émeraude splendide concocté par Braunschweig. Prenant littéralement au pied de la lettre les didascalies initiales, celui-ci déploie dans un décor grandeur nature les moiteurs d’une jungle luxuriante. Troncs d’arbre massifs et feuilles géantes enveloppent les personnages de leur présence paradoxalement très mentale. La scénographie permet donc elle aussi de brouiller les frontières entre ultra réalisme et percée psychique. ♥ ♥ ♥ ♥

SOUDAIN L’ÉTÉ DERNIER de Tennessee Williams. M.E.S de Stéphane Braunschweig. Théâtre de l’Odéon. 01 44 85 40 40. 1h35.

© Elizabeth Carecchio

Des Damnés (un peu trop) glaçants

Après avoir électrisé le public avignonnais, Les Damnés ouvre la nouvelle saison du Français dans le bruit et la fureur. Théâtre, cinéma, Ivo van Hove ne tranche pas et brouille les frontières. Le metteur en scène belge nous offre un aller simple en enfer sans concession. D’une beauté rude, étouffante, ce spectacle dérange et remue les consciences. Mais la radicalité du geste est à double tranchant : à force de ritualiser et de cadrer à outrance la représentation, l’émotion en devient court-circuitée.

En février 1933, l’Allemagne tremble : le Reichstag est incendié. Le moment de bascule de la prise au pouvoir de Hitler coïncide avec la débâcle des aciéries von Essenbeck. Joachim, le patriarche, n’a d’autre choix que de pactiser avec l’ennemi pour sauver son entreprise. Ce qui signera le début de sa perte.

Van Hove affectionne les tragédies, les cellules familiales en crise qui se déchirent et ne se comprennent pas. Avec Les Damnés, l’expérience du mal atteint son acmé et on assiste impuissants au carnage de cette meute de loups avides. La scénographie de Jan Versweyveld renvoie au cercle de la vie : à jardin, les personnages prennent naissance, les comédiens enfilent leur costume et rentrent dans l’arène, se maquillent et se prélassent alors qu’à cour, cinq cercueils attendent les malheureuses victimes de la cruauté nazie. Au centre, l’agitation frénétique et folle d’une entité qui déraille. Effet imparable ultra stylisé.

En attente de lâcher-prise
Et c’est là peut-être que la machine infernale dévoile des mécanismes un peu trop bien huilés. Tout est millimétré et ritualisé (notamment lors des meurtres sacrificiels qui détruisent complètement l’illusion du quatrième mur), ce qui a pour conséquence d’installer une forme de routine dommageable. Où est le lâcher-prise ? Trop de glace étouffe le feu.

Pourtant, les comédiens du Français, par leur jeu toujours aussi impressionnant, osent se mettre en danger avec des contre-emplois : Guillaume Gallienne (si guimauve dans Lucrèce Borgia) épouvante en arriviste sournois tout comme Denis Podalydès, odieux dans son rôle de SA. La révélation se nomme Christophe Montenez : queer pédophile, rock-star maquillée en talons hauts, le jeune homme cristallise tous les enjeux de la pièce. Dans le rôle de Martin, le fils manipulé, il parvient à combiner à la fois l’innocence et la perversité. Plutôt prodigieux. Elsa Lepoivre, mère-corbeau indigne est éclatante. L’alchimie entre les deux comédiens promet beaucoup.

Les Damnés version van Hove se transforme en spectacle de la surenchère. Multipliant les excès, il se met lui-même en péril en ne sachant pas mesure garder. On peut apprécier ou non. Si l’omniprésence de la caméra nous permet de scruter au plus près les émotions des personnages (comme lors de la scène d’amour, fugace mais superbe, entre Jennifer Decker et Christophe Montenez), certains gestes paraissent trop appuyés, à la limite d’une symbolique déplacée comme lors du final « poussiéreux » qui amalgame sphère intime et camps de concentration (l’image est captivante mais l’intention semble bien maladroite). Van Hove aurait dû se faire plus confiance, évitant ainsi des explicitations inutiles.

On sort bien secoués de ces Damnés. La mise en scène implacable de van Hove dissèque avec la précision d’un scalpel la plongée dans les abysses du mal. Son esthétique léchée, d’une beauté rigoureuse, ainsi que son sens méticuleux du détail envoient un double signal : si le jeu des comédiens, leur synergie emballent, trop de contrôle tue l’émotion. ♥ ♥ ♥

LES DAMNÉS d’après le scénario de Luchino Visconti, Nicola Badalucco et Enrico Mediolo. M.E.S d’Ivo van Hove. Comédie-Française. 01 44 58 15 15. 2h15.

© Juliette Parisot

Anne Delbée, à la Racine de la passion

Quand on aime, on ne compte pas. Depuis plus de trente ans, Anne Delbée déclame sa passion inconditionnelle pour Racine. Après l’avoir souvent joué et mis en scène, elle a décidé de lui consacrer un spectacle-hommage repris au Poche-Montparnasse. Exégète pas pédante pour un sou, la grande dame de presque soixante-dix printemps nous convie à une leçon dense et irrévérencieuse. La mise en scène riche d’idées désamorce un biopic théâtral qui aurait pu rapidement devenir barbant. Seule en scène, la tragédienne-caméléon assure le show !

Enseigner Racine à des lycéens relève à bien des égards d’un parcours du combattant : les difficultés de la langue classique, son lexique et sa syntaxe complexe entravent souvent la compréhension du texte. Faire la démarche d’aller voir Racine ou la leçon de Phèdre équivaut à entrer dans la cour du grand dramaturge par des détours aussi instructifs qu’étonnants.

S’appuyant sur la méthode Sainte-Beuve, Anne Delbée tente de décortiquer la galaxie Racine en plongeant au cœur de la vie de Jean. Les allers-retours sans préambule entre la biographie condensée et l’interprétation pure offrent une diversité bienvenue. L’ombre de la tragédie a toujours plané sur Racine : perdant très rapidement ses parents, sans le sou, il est bringuebalé de proche en proche jusqu’à son entrée à Port-Royal… Ses deux rencontres amoureuses décisives, avec la Du Parc et La Champmeslé se confrontent aux tirades de ses plus belles héroïnes.

En rouge et noir
Cet entrechoquement de la fiction et du réel s’insère particulièrement bien sur scène. YSL n’aurait pas renié la tenue très masculin/féminin de la comédienne qui endosse tous les costumes : la pédagogue potache, la femme ravagée par des pulsions inavouables ou l’amant en proie à la révélation de l’amour.

Un court-métrage en filigrane imaginant un Racine enfant apporte une touche d’innocence dans cet univers funeste et la suggestion érotique de corps féminins (une nuque, un dos, des bras) illustre bien à quel point tout le théâtre de Racine se fonde sur une poétique du désir.

Sur scène, le gris métallique, le noir et le blanc dominent : la couleur provient de la projection de la voix de la comédienne, de ses modulations. Comment dire Racine ? Comment trouver le ton juste sans tomber dans l’emphase ? Anne Delbée tente de répondre à ces questions loin d’être évidentes avec un art de la nuance assez remarquable. On regrettera néanmoins certains excès pas vraiment à notre goût (des tirades sur fond rock) mais on ressent une telle gourmandise de jeu, un plaisir si évident de transmettre son admiration pour cet auteur qu’on embarque volontiers dans ce voyage des sentiments.

RACINE OU LA LEÇON DE PHÈDRE, d’après Jean Racine. M.E.S d’Anne Delbée. Théâtre de Poche. 01 45 44 50 21. 1h30. ♥ ♥ ♥

© Emmanuel Orain

Britannicus : dans les arcanes du pouvoir

Prétendant malheureux à la succession de Muriel Mayette-Holtz, Stéphane Braunschweig se voit offrir un double lot de consolation puisqu’il est devenu le nouveau directeur de l’Odéon et qu’il est programmé pour la fin de saison à la Comédie-Française. Une année 2016 riche donc en rebondissements. Habitué au théâtre contemporain, Braunschweig retourne à ses classiques en montant Britannicus. La tragédie politique de Racine se retrouve ici chirurgicalement auscultée : pas de pathos ni de jérémiades mais la terrible bascule d’un gouvernant vertueux à un monstre ambitieux. Si l’atmosphère glaciale peut virer à l’assèchement des passions, le metteur en scène scrute avec une rigueur de tous les instants le fatidique dilemme entre amour et pouvoir ; filiation et trahison.

Dans Britannicus, se joue une guerre d’ego entre la castratrice Agrippine qui s’accroche désespérément au trône et son fils Néron, souverain juste et aimé de son peuple mais dont le désir de prouver son indépendance va le conduire aux portes de la folie. En enlevant Junie, la fiancée de son frère Britannicus, le tyran en germe dérape. C’est ce moment de renversement qui fascine Racine ; cet instant où les pôles du bien et du mal se brouillent, suite à des haines familiales trop profondément enfouies.

Exit les palais antiques avec leur décorum pompeux. Place à un immense bureau ovale évoquant sans l’ombre d’un doute les séries à la mode comme « House of Card ». La Rome impériale traverse les siècles pour débarquer dans notre présent. Tailleurs, trenchs et costumes sont de rigueur. Si cette volonté d’enraciner les conflits des puissants de nos jours ne brille franchement pas par son audace, le résultat fait tout de même mouche. Conscient de l’impact et de l’intérêt que nous portons aux arcanes du pouvoir, Braunschweig conçoit son Racine comme un épisode haletant d’une série télé (avec quelques baisses de régime cependant, surtout au milieu). Scénographe renommé, l’ancien patron de la Colline a conçu un espace aseptisé, impersonnel et froid où seul un dédale labyrinthique de portes blanches (une réminiscence d’Alice au pays des merveilles ?) interpelle et métaphorise l’égarement des personnages.

Les vers raciniens résonnent comme du cristal sur la grande salle Richelieu ; l’alexandrin coule de source, la diction est fluide. Pour ses premiers pas dans du classique pur et dur (excepté son Tartuffe), Braunschweig se montre d’une efficacité redoutable. C’est cinglant, cruel et impitoyable. Un peu comme un épisode de Dallas mais avec plus de cachet. D’autant plus qu’un jeu de contre-emplois dynamise l’affaire et complexifie la densité des caractères.

Étonnantes métamorphoses
On imaginait assez mal sur le papier Laurent Stocker en futur tyran. Pourtant, il ménage à merveille la transformation du despote éclairé en brute indifférente et impitoyable. Sa petite stature, peu impressionnante, se voit contrebalancée par un regard d’acier et des gestes sans équivoque. Il fait froid dans le dos. Benjamin Lavernhe, habitué à des rôles de gentils, étonne en fourbe perfide. Sa composition de Narcisse glace le sang. Se bonifiant d’année en année, Georgia Scalliet irradie de vulnérabilité en Junie tourmentée alors que Stéphane Varupenne se révèle moins adroit dans le rôle-titre. Hervé  Pierre, lui, est formidable en Burrhus. Le conseiller d’État devient clown effaré.

Bien sûr, l’événement attendu de tous était l’entrée de Dominique Blanc, nouvelle pensionnaire dans la maison de Molière. Elle crève sans surprise la scène ; après avoir joué Phèdre sous Chéreau, la voici sous les traits d’Agrippine, femme de poigne s’il en est. L’Agrippine qui nous est présentée n’a pas grand chose à voir avec une ambitieuse déclassée : on ressent davantage la détresse de l’abandon, la peur de la répudiation et de la solitude. La redoutable rhétoriqueuse manipule certes les mots comme personne mais sa persuasion et sa détermination se manifestent plus par une forme de douceur (qu’on peut bien sûr interpréter comme un fin stratagème). C’est une reine.

Défi relevé donc pour Braunschweig : si les sentiments subissent l’étranglement d’une bride, la mise à mal de la stabilité familiale et les conflits d’intérêt éclatent avec une splendeur moderne. Une mise en sourdine des mécanismes du pouvoir paradoxalement tonitruante. ♥ ♥ ♥ ♥

BRITANNICUS de Jean Racine. M.E.S de Stéphane Braunschweig. Comédie-Française. 01 44 58 15 15. 2h.

© Pascal Victor

Natalie Dessay, « ice-queen»

Notre étoile de la scène lyrique aime incontestablement les défis. Pour ses premiers pas au théâtre, Natalie Dessay troque sa peau de sirène ensorcelante contre les habits d’une aristocrate juive ravagée par les fantômes de la Shoah dans Und. Ce monologue ardu et mystérieux, repris au Théâtre de la Ville, interroge non sans trouble la question du deuil impossible et de la schizophrénie traumatique.

Mains dans le dos, implacable raideur et regard sévère : pas de doute, Und rumine. Elle attend son amant depuis un petit moment déjà. Que peut-il bien faire ? En somme, une exposition digne d’un boulevard classique. Or, tout comme Harold Pinter dans Ashes to Ashes, son contemporain Howard Barker plonge dans la trivialité pour évoquer l’Histoire avec un grand H, mais de manière discontinue, presque pointilliste. Le spectre d’Auschwitz plane sur cette femme dont le prénom renvoie ironiquement à une connexion manquée entre le passé et le présent, l’amour et la mort.

Figure typique du « musulman » conceptualisé par Primo Levi, Und se traîne comme un zombie dans un état de non-humanité et s’élance vainement vers des retrouvailles impossibles et fantasmées.

Prison gelée
Pour matérialiser cette aliénation mentale; Mathieu Lorry-Dupuy a conçu une imposante scénographie : encerclée par un lustre de lames glacées créant une pluie continuelle de fines gouttelettes, Natalie Dessay entame une prodigieuse course contre la montre. Tandis que les illusions s’envolent, les stalactites explosent sur le sol. Jacques Vincey, le directeur du CDR de Tours, sublime la partition interprétative de la colorature. Poupée de cire rigide qui bascule insidieusement vers la folie plus complète pour parvenir à une lucidité non moins terrible, cette ondine volcanique se délecte visiblement de son rôle avec une gourmandise de petite fille au rêve enfin accompli.

Portée par l’accompagnement musical oppressant d’Alexandre Meyer (avec les sons lancinants de cloches apocalyptiques), la fraîche comédienne se paye le luxe de se moquer de son statut de diva avec un aplomb de reine des neiges. Gérant aussi bien les couleurs comiques de la pièce que ses aspects bien plus dérangeants, elle brûle les planches avec une assurance déconcertante. Jusqu’à ce déchirant kaddish final… ♥ ♥ ♥ ♥

UND de Howard Barker. M.E.S de Jacques Vincey. Théâtre de la Ville. 01 42 74 22 77. 1h.

© Christophe Raynaud de Lage

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